伊藤 岳央

私は2006年に新卒で入社して以降、ビクターエンタテインメントにずっと在籍しています。当時はまだパッケージ、CDの営業が中心でした。新入社員はまず営業に行く、という流れが一般的で、私は札幌営業所に2年ほど在籍しました。

ちょうどその頃、札幌のバンドであるサカナクションがデビューする時期でもありました。当時は営業の立場だったので、制作や宣伝に直接関わったわけではありませんが、「BabeStar」という社内で新人のみをリリースしていく実験的なレーベルがあり、サカナクションはそこからデビューしました。

チームも少数でしたし、東京のBabeStarレーベルスタッフとも距離感が近く、コミュニケーションを取る機会が多かったですね。営業としては「地元・札幌でどう火種をつくるか」がテーマでもありましたし、次第に接点が増えていきました。

2008年頃にBabeStarに異動しました。ラジオ、雑誌、CSなどのプロモーターをしばらく担当した後、「全員でA&Rをやっていこう」というレーベルの方針のもと、手探りではありましたが、A&R的な立場で制作や宣伝のプランニングも行うようになりました。

レーベルの特性として、「新人をとにかく押し出していこう」というカラーが強かったので、新人アイドルからバンド、ポップデュオまで、ジャンルを問わず「良い」と思ったものに取り組んでいました。その後、レーベル名が「FlyingStar Records」に変わり、2〜3年ほど続けました。

2014年からは、「CJビクターエンタテインメント」という、CJ E&M（韓国の会社）とビクターの合弁会社が立ち上がり、当時の上司と一緒に2〜3年、そちらに在籍しました。やっていること自体は大きく変わらないのですが、本社から少し離れ、組織としては別という形でした。

2018年から本社の制作部に戻り、そこからはずっと制作を担当しています。A&Rを軸にした制作業務ですね。その制作部は、ジャンル問わず様々なアーティストが在籍していて、演歌・歌謡曲ジャンルのアーティストも在籍する制作部でした。その流れで2020年から山内惠介さんを担当しています。「担当します、よろしくお願いします！」とご挨拶した直後に、コロナ禍に入ってしまった、という状況でした。

難しかったですね。山内惠介というアーティストは、コンサートをはじめ、「人と会う」「リアルに会う」というところが何よりの強みであり、大事にしています。それができない状況で、どうしていくか。そこがチームにとって最初のテーマでした。

最初は驚きました。子どもの頃、祖母が見ていた演歌番組を一緒に見た、という程度の接点はありますが、そればかりを聴いて育ったわけではありません。もともと演歌・歌謡曲に非常に詳しい、ということでもありませんでした。

ただ、師匠のような先輩ディレクターがいて、その方に色々と教えてもらいました。話を聞くほどに、本当に奥深い世界だなと感じましたね。私自身がA&Rとして見よう見まねでやってきたことを、より具体的に「ディレクターはこうした方が良い」と教えてくれた先輩がいて、その方――金井（雅史）さんには、かなり助けていただきましたし、たくさんのことを教わりました。

今のJ-POPは、シンガー・ソングライターが多く、歌い手が詞や曲、アレンジ、場合によってはミックスまでも自分で行うこともあります。それはそれで素晴らしいスタイルだと思います。

一方で演歌は、圧倒的に分業制です。さらに「曲先」ではなく「詞先」（メロディーより先に歌詞を作ること）が多い。まず「どういうテーマの詞にするか」という最初の一手を考えるのがディレクターで、そこでほぼ勝負が決まる、という感覚があります。つまり、歌の世界観ですね。何をテーマにして、何を歌わせたいのか。そこがずれてしまうと、いい曲にならない。だからこそ、テーマ設定を考えるのが一番大事だと思っています。

その上で、作詞家・作曲家・編曲家の先生方、そして歌い手にどう伝え、一緒にいいものを作っていくか。先頭に立つ責任は、これまで経験してきた制作よりも一段階上がる感覚がありました。プロデューサー的な要素もある仕事だと思いますが、ひとりで抱え込むというより、多くの人の意見を聞き、「やはりここはこうしたい」というポイントを固めながら進めています。

「紅の蝶」のような楽曲に関しては、まず打ち込みデモの段階で「おそらくこのキーだろう」というものを歌い手に渡し、キーとテンポが適切かをチェックする、いわゆるヴォーカルのプリプロを行います。そこで「キーはこれでOK、テンポもこれでいきましょう」と決まったら、ドラム、ギター、ストリングスなどを録っていきます。

オケRECに歌い手本人が来て歌うと、ミュージシャン側も「この歌い方なら、もっとこうした方が良いですね」といったやり取りが生まれる。それをさらに詰めて、歌録り日を決める、という流れです。

確かに、今もギター1本の弾き語りデモが上がって、キーを確認して、アレンジはオケREC当日に初めて合わせる、という制作楽曲もあります。多くのレコーディングはビクタースタジオで行いますが、生でしっかり時間をかけてレコーディングできるのはありがたい環境だと感じています。

そうですね。山内惠介さんは演歌が大好きで、美空ひばりさんに憧れて、17歳で歌手の世界に入った方です。演歌・歌謡曲が本当に好きな歌い手です。演歌・歌謡を良き文化として歌い継いでいくことで、伝統的なものとしての軸は持ち続けたいと思っています。

一方で、他にもやれることがあるのではないかとも感じます。山内さんの素晴らしさは、王道演歌をがっつり歌いこなせる一方で、J-POPの要素が入った楽曲でも、良さを保ったまま歌える点にあります。

なので、演歌とJ-POPの「壁」は、もう少し薄くてもいいのではないかと感じています。演歌からJ-POPへ行くのか、J-POPから演歌へ行くのか、という方向はありつつも、少しずつ混ぜていくようなことをやっていきたい、その想いで制作したのが「紅の蝶」です。

とても前向きに取り組んでくれます。演歌が大好きという前提は持ちつつも、演歌しか歌わないという発想ではありません。新しいチャレンジを楽しんでくれています。

デモを渡して「この日に合わせましょう」と伝えると、そこではもう完全に山内惠介のものになっている。一般的に想定される歌い方とは違う、山内惠介ならではの歌唱として消化しているのがすごいところだと思います。

歌の表現としてのイメージは当然私たち制作側も持っていますが、それを超えた表現で返してくれることも多い。準備も含めてストイックなので、歌録りは刺激的です。こう来たか！と思うことがあります。

「紅の蝶」については、アレンジをかなり詰めた状態で山内さんに渡したので、そこから大きく変えることはありませんでしたが、本人の仮歌デモをミュージシャンに聴いてもらうと、演奏の熱量やニュアンスは変わりましたね。

それはあります。「紅の蝶」は2024年リリースですが、その前年に「こころ万華鏡」があり、作家陣としては「紅の蝶」が2作目という位置づけです。演歌・歌謡曲のフィールドで20数年間戦ってきたところは大事にしつつ、新しいリスナーに向けた取り組み、新しいこともやっていきたい、という思いがチーム全体にありました。

ただ、闇雲に新しいことをやって、「演歌歌手でなくても成立するような音楽性」になってしまうと、「なぜ山内惠介がこの曲を歌っているのか」と受け取られかねず、それは避けたかった。演歌の定義については様々ありますが、例えばヨナ抜き音階で、七五調で歌詞の文字数が多すぎない、といった型がある中で、その型を極めることはもちろん大事です。

それと同時に、歌謡曲とも違う、広く言えばJ-POPだが、まだ名前のついていないジャンルのようなものができたら一番良いね、という話をしていました。

村松崇継先生との出会いですね。クラシックで実績をお持ちの方で、一方で幼い頃に民謡を聴いていて、日本の音楽文化にも造詣が深い。「こころ万華鏡」は2023年のシングルですが、シングルでこうした挑戦をするのは初めてだったので、お客様の反応は正直ドキドキしました。

山内惠介のファンの方の年齢層はとても幅広いのですが、その方々が「こころ万華鏡」の初披露で大喝采してくださった。そこで間違っていなかったという手応えを感じました。とはいえ、1年では浸透しきれなかった部分もあり、その経験を踏まえて制作したのが「紅の蝶」です。作詞は松井五郎先生にお願いしました。

曲先（歌詞より先にメロディーを作ること）ですね。よりJ-POP的な作り方と言えるかもしれません。今は曲先が多いと思いますが、松井五郎先生はどちらにも対応してくださるので、「曲先でお願いします」という形で進めました。こちらが「こういう曲です」とお渡しすると、松井先生から「すごいものができたね。面白い。」と言っていただけたのが印象に残っています。

演歌歌手として、磨きに磨いてきた方です。こぶしをどこでどう利かせるかという技術を、新しい曲の中で「やりすぎず、残す」というところをしっかりと捉えて、絶妙なバランスで成立することができました。また、リズムの取り方が従来の演歌とは違うので、歌の引き出しも増えたのかなと思います。

難しいとは言いながらも、慣れるまで、自分の体に入れるまで、という姿勢で楽しんでくれています。「紅の蝶」も「こころ万華鏡」も、確かに難しい。でも、挑戦しがいがある歌だよね、という捉え方で、楽しんでくれていると思います。

驚きましたが、素直にうれしかったです。新しい挑戦の結果として、しかも第1回の賞をいただけたのは光栄でした。自分たちが信じてやってきたことがこうして評価されるのは、とてもうれしいですね。

違いますね。J-POPの場合、シングルを年に何度かリリースして、それを軸にアルバムを作り、アルバムで世界観を表現するツアーを行う、という流れが分かりやすいと思います。

一方で演歌・歌謡曲では、年初に発売する1曲をその年の勝負シングルにする。それをリード曲にした上でカップリング違いで複数形態を出し、カップリング曲も含めた世界観を作っていきます。リードは変えずに、カップリングではテイストの違う曲を入れるといった考え方ですね。

その時期のツアーは、リード曲を中心にカップリングも含めてセットリストを組む。さらに期間を空けて夏頃になると、リード曲はそのままに、ジャケットとカップリング曲を変えた新装盤を出す。秋にも別の新装盤を出し、また別のコンサートに合わせてカップリングを設定する、という形です。カップリングという呼び方にはなりますが、そこに優劣があるわけではありません。リード曲を中心にしながら曲を届けていく。1年間でリリースする楽曲数としては、アルバムとそれほど変わらないと思います。

まさにそうですね。年初の1曲だけで年内を走り切るというより、カップリングを変えることで、店頭や配信でももう一度展開してもらえる。その都度、新曲にリーチする機会を増やしていく、という考え方です。

演歌が好きなお客様はもちろん大切にしたいです。一方で、演歌を普段聴かない層にも「ジャンルは分からないけど、これ良いね」「私が聴いても良い曲」と思ってもらえる余地はあると思います。

そういう反応はうれしいですね。想像以上に受け入れていただけていると感じます。お店の方もそうですし、メディアの方からも「よくやった」「素晴らしい」という反応が多い。山内惠介だからこそできた、と腑に落ちて聴いていただけている空気感はあります。

難しいですね。村松先生に曲をお願いし、松井先生と詞を作っていく中で、実は演歌であることを意識しすぎないようにしました。音楽的に「ここは残す」と決めてしまうと、どうしても縛りが強くなるので。

演歌歌手・山内惠介の歌にするために重要だったのは、和楽器を入れること、そして山内惠介の歌唱です。彼が歌うことで、演歌歌手のDNAが刻まれる感覚がある。音階もいわゆる演歌の音階ではないですし、歌詞も言葉数が多いなど、従来の演歌の型とは全く違う。それでも、DNAを残したまま新しいものを作っていく、という感覚でした。

そうかもしれません。私が20年ずっと演歌をやり続けてきたディレクターだったら、この発想にはならなかった可能性はあります。私がぼんやり思っていたことを形にしてくださったのは村松崇継先生、松井五郎先生という先生方の力ですし、それを自分のものとして歌いこなした山内惠介だと考えています。

褒めていただきました。「お前じゃなかったら、こうはならないよね」と。「俺だったら、ここはこうしたくなる」といった話や、コード進行の話も出ました。村松先生は結構攻めたコードを使っているので、「本当に大丈夫か」と感じる瞬間もあったかもしれません。

ただ、コミュニケーションを取りながら進めていきましたし、金井さんに「これはこのまま行かせてください」と言ったら、「お前がそう思うなら、それでいい」と背中を押してもらえたのはありがたかったですね。

ここ10年くらいで宣伝手法は大きく変わってきています。テレビ、ラジオを大事にしつつ、SNSをどう活用していくかはチームでよく話してきました。

特にコロナ禍で否応なくSNSで発信しないといけない状況になったことをきっかけに、より力を入れるようになりました。コアファンの方も「YouTubeってこういうものなんだ」と楽しんでくれて、それならTikTokも始めようか、という流れでした。

そうですね。楽屋での様子を通じて山内さんの人となりが垣間見え、それをファンの方が喜んでくださる。YouTubeショートも積極的に上げていますが、既存のファンだけでなく、これまで接点がなかった層が反応してくれている体感もあります。そこは大事なポイントだと思います。

そうですね。広がることができる土台が曲そのものにあるので、ショートの切り出しも含め、若手スタッフと「ここで切ったらいいかもしれない」と話し合いながらやっていますし、良い作用が生まれている感覚があります。

山内チームはベテランも多いです。宣伝のアーティスト担当が50代、パッケージの販促担当も50代、私が40代。デジタル担当は20代、といった形で、半分くらいは20代の若手で構成されています。若手の声もベテランの声も両方ある。大事にしなければいけないことは共有しつつ、若手から「こうしたらもっと良くなる」と提案があり、「それをやってみよう」という空気があります。

新しい取り組みでも、「それはどういう仕組みなのか」を理解しながら取り組んでくれます。サービス精神に溢れていて、トークもとても上手なので、「こういうコメントを撮ってみましょう」と提案すると面白がってやってくれますね。

コンサートは引き続きたくさん行っていきますが、その合間を縫って取材をしたり、楽屋でSNS向けの撮影をしたり…。ここ数年で若い人からのつながりを感じるようになりました。

また、これは理想と思ってきたことなのですが、例えば80代の方がいて、その娘さん世代が50〜60代、さらにそのお子さんの世代もいて、3世代で来てくださる方が増えてきました。握手会などで「家族3人で来ました」と言っていただいたり、「この時期は家族みんなで、惠ちゃんのコンサートに行くのが年中行事です」と聞くと、とてもありがたいですし、うれしいですね。音楽的な面も含め、世代を超えて愛される歌手に、さらに成長していけたらと思っています。

「紅の蝶」の1つ前にリリースした「こころ万華鏡」から始めました。配信メインで聴く方は、演歌ファンだとまだ多くなかったのですが、「こころ万華鏡」から「紅の蝶」にかけて、壮大なアレンジの楽曲になったので、Dolby Atmosをやってみようということになりました。調べてみると、演歌・歌謡ジャンルでやっているアーティストはどうやらまだいないんじゃないか、となり、ぜひ挑戦してみようと思いました。

Dolby Atmosに取り組んだ結果、例えばApple Musicの空間オーディオプレイリストでは演歌・歌謡曲プレイリストはまだないので、空間オーディオJ-POPのプレイリストに入れてもらいました。

そうすると普段では並ばないアーティストラインナップに山内惠介が入る形になり、再生回数が伸びるなど、目に見える変化がありました。「よく知らなかったけど、これ良いね」と最後まで聴いてもらえて、プレイリストに長いこと残った。新しいユーザー層にリーチできたのではないかと思います。

演歌というジャンル全体としては分からないですが、山内惠介に関して言えば、意識はしています。ただ、いきなり海外を目指すと足元がおぼつかなくなるので、まずは国内でどこまで認知を作れるかを大切に考えています。

一方で、ミュージック・ビデオやジャケットなどのクリエイティブでは、海外の方の目に留まりやすくするにはどうすればいいか、という意識は持っています。一朝一夕でできるものではありませんが、時間をかけてじわじわ海外のお客さんに届いていく形になればいいな、と。